Técnicas novedosas, conceptos y temáticas actuales se ponen sobre la mesa y las paredes de galerías, museos y ferias internacionales a través de la mirada y el trabajo de estos 11 artistas mexicanos. Ellas, ellos y elles configuran nuevas inquietudes, problemáticas y narrativas que configuran el presente y futuro del pulso creativo en nuestro país.
A continuación presentamos un diverso listado de artistas para tener en el radar, seguir sus trayectorias y ser testigos de cómo renuevan al arte mexicano.
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11 artistas mexicanos contemporáneos que debes conocer
La masculinidad en la cultura mexicana, los estereotipos de género y el mandato sociocultural son las temáticas en la obra de esta artista que nació en 1991 en Ciudad de México.
Su pintura, llena de color y plasticidad, subvierte imágenes del Cine Mexicano de Oro para desafiar la representación de la identidad y forma escenarios que colocan al espectador en el necesario cuestionamiento sobre los preconceptos binarios de sexualidad.
Sus muestras individuales más recientes son Pos’ se acabó este cantar en el Museo de Arte Carrillo Gil y Toy Boy en Galería Karen Huber.
Francisco nació en 1986 en Tlaxcala; en su obra se percibe una esencia multidisciplinaria: escultura, instalación, dibujo, collage y pintura.
En su trabajo hay un cuestionamiento analítico sobre las identidades nacionales, basando su estética en imaginarios históricos de la época prehispánica y la conquista española.
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en la Ciudad de México y en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon. Algunas de sus obras más recientes son Templo de Venus (2002), Templo rojo (2022) y Figura antropomórfica (2021).
Francisco Muñoz, artista.(Instagram @francisco_munoz.)
La obra de Gabriel (Ciudad de México en 1983) tiene la escultura, la pintura, el performance y el video como soportes de exploración sobre las narrativas artísticas, la contemplación y la vida de las propias obras de arte más allá del simple acto de exponerlas y donde el papel del espectador cobra vital relevancia.
Su obra es metanarrativa, ya que complejiza las relaciones con el arte moderno, la centralización del pensamiento estético y el cuerpo como un jugador en la ecuación artística. Algunos de sus proyectos son Casa Serpiente, Novela y Performance para dos - canción de amor.
Gabriel Rosas Alemám, artista mexicano.(Instagram. )
Se considera una “mapeadora del inconsciente”, esta artista originaria de Logroño, España, afincada en la Ciudad de México se caracteriza por el flujo del color en sus lienzos que son puertas de acceso a estados de percepción, conciencia o espiritualidad.
En su obra radica un punto esencial poético donde la experiencia humana también está en juego con conceptos de la neurociencia y otras disciplinas. No hay percepción fácil frente a la obra de Montiel.
Recientemente presentó Initiation, su reciente muestra individual en la galería OMR de la Ciudad de México.
La arquitectura es el punto de partida en este artista de Guadalajara; sus piezas exploran en el espacio, el tiempo y el color como elementos constructivos que constantemente se relacionan y se modifican.
Trabaja en soportes como la pintura, la fotografía y la escultura. En todas se distinguen construcciones estructuradas, geométricas y delimitadas que, en contrapunto, invitan a pensar y configurar una duplicidad de posibilidades.
Algunas de sus obras más representativas son Stretching Landscapes, Seascapes y What God Said When He Made The First Rainbow.
Sus piezas parecen que provienen de un universo extraplanetario o de una película de ciencia ficción. Justo este género, así como las enseñanzas budistas sobre el vacío, son influencias de su práctica.
Trabaja con cerámica de baja temperatura, la cual moldea, pinta y esmalta a mano. El resultado: jardines coloridos compuestos por organismos biológicos, vegetales, bacterias y hongos mezclados con seres alienígenas, fantásticos o improbables.
Su proceso está centrado en organismos que están fuera del alcance del ojo cotidiano y los reproduce para darles vida más allá del fondo marino, el espacio o las lentes microscópicas.
Su obra tiene un carácter formal y figurativo que radica en la representación del cuerpo masculino, sus posibilidades eróticas y simbólicas.
Los hombres que habitan tanto en sus dibujos en grafito como en sus óleos, bien podrían ser héroes mitológicos de diversas cosmovisiones como personajes comunes elevados a una representación divina con referencias claras a elementos, posturas y estudios anatómicos del arte clásico.
Nació en 1996 y trabaja desde Jalpa en el estado de Zacatecas. Algunas de sus obras más emblemáticas son Falso profeta, Sueños de libertad, De la tierra vengo y Saturno a la deriva.
La de Ocaña es una constante investigación sobre el concepto de velocidad; una intersección entre el diseño automotriz y los contextos sociales, culturales, políticos y ambientales.
Su práctica parece responder a una fórmula física donde intervienen el tiempo y el espacio; sin embargo, no deja de lado la comprensión humana y el factor antropológico que implican, por lo que ofrece una mirada poética y filosófica sobre el acto de viajar y desplazarse.
El resultado es una provocación, suscitar un debate sobre cómo la velocidad, entendida en los términos de lo contemporáneo, reconfigura nuestra forma de pensar.
Reflexiona constantemente sobre la identidad, el género y la libertad desde un punto de vista decolonial.
Recientemente presentó Autonomous Drive, su primera gran exposición individual en Estados Unidos en MoMA PS1 de Nueva York; en ella, mostró una profunda investigación sobre la historia de la pintura a partir de las formas escultóricas y el simbolismo religioso de este período, correspondiente con la expansión colonial occidental.
Con esas referencias y los mitos fundacionales, construye imágenes de un mundo en deconstrucción y propone “un futuro de libertad queer, conexión con la naturaleza y la creación”.
“Artista visual y excavador aficionado” es la definición concreta de Abraham. Su interés artístico se ha centrado en la identidad y la historia y cómo estos discursos han sido empleados por los grupos de poder para la contención.
Su obra desarticula la romantización de “una historia de México” para crear una serie de ficciones arqueológicas como parte de ese desborramiento identitario resultado del discurso centralista, la corrupción institucional y diversos intereses.
Sus piezas evocan a los grandes descubrimientos arqueológicos del pasado pero proponen una narrativa alterna para llenar las ausencias del oficialismo.
Abraham González Pacheco, artista mexicano. (Cortesía. )
Estudió Arquitectura en la UNAM y en la Bauhaus Universität Weimar. Su obra explora las relaciones invisibles y emocionales que sostenemos con el espacio y los objetos a través de la memoria.
Utiliza medios diversos como la escultura, la pintura, el dibujo y la instalación. Su enfoque se centra en la intervención y la relación entre las personas, la materia, el entorno físico, el tiempo, la memoria y el espacio y las interacciones entre ellos, y los efectos que pueden tener.
Ha participado en proyectos como Paisajes en el Museo Jumex, Arquitectura Ficticia en el Laboratorio Arte Alameda y Bioceno en el Museo de la Cancillería.
